舞美设计：在18世纪时的西方被称作“眼睛的音乐”，到了19世纪的自然主义则强调布景是“自然的一角”，而20世纪初的构成主义，它追求的舞台形式是“动作的机器”，可是象征主义和表现主义又认为舞台设计中要做到“视觉的隐喻”，或者再比如中国传统戏曲反映的是“布景在演员的身上”，而二战后在美国兴起的“环境戏剧”却又是在探讨“一个环境一个剧场”。
　远古时期，人们过着原始的群居生活，每当狩猎胜利，披着兽皮在篝火边跳舞庆贺时，围观者围成了一个向心的环行。这个环行，用今天的话来表述，似乎是远古人根据这一“围观”的心理要求，由人和人围成了一个“供表演的地方”。
从西方的古希腊戏剧演出中开始萌芽的中性布景到今天风格各异、手段繁多的戏剧演出，戏剧空间观念的发展大致可划分为二维、三维和四维这三个阶段。即从早的平面画景、装饰性布景到与演员动作有机结合的立体装置布景，再到在舞台上体现了时间的因素，它成为了一个运动着的时间、空间与意义的综合体。
古希腊时期，为酒神节而举行的庆典使得古希腊人蜂拥而至狄俄尼索斯剧场欣赏戏剧表演。由于是群众性的集体活动，因而那时的剧场相当庞大，早有圆场、看台，后来又有了更衣棚（圆场后的换装处建筑）。在布景方面，也有一些舞台美术的简单手法，如在更衣棚的建筑墙面上开了三扇门，后来又发展为五扇，而且舞台两侧还使用了“三棱柱景”，通过转动不同的面起到暗示场景的作用。同时，也运用了一些简单的制造特技效果的机关，用于神仙下凡等场面。古希腊的悲喜剧演出在这样的剧场里产生了辉煌的奇观，但是，随着被古罗马的征服以及欧洲黑暗的中世纪，戏剧在漫长的岁月中几乎处于沉睡状态，直到文艺复兴时期才开始觉醒。
职业的舞台美术家早出现于文艺复兴时期的意大利，那时的布景师大多是画家或建筑师，随着透视学的发明，戏剧领域产生了运用透视画法绘制布景的狂潮。在透视学发明之前，写实的造型和写实的色彩还不能构成写实的画面，而一旦运用了透视，平面的画面形象马上就有了三维空间的深度，近大远小的透视关系创造出了空间与距离上的幻觉。1618年，在意大利诞生了戏剧史上有镜框式舞台的剧场——帕尔玛的法尔纳斯剧场，它的出现，促进了透视布景的发展。
由于文艺复兴时期的戏剧活动从平民化艺术走向了宫廷演出，因此，意大利的布景师利用透视画法，极力追求贵族化的形式，布景华丽而壮观。后来，随着换景技术和制造特技效果的机关布景的发明，更是创造出了神奇而魔幻的视觉奇观。
与此同时，在伊丽莎白执政时的英国，由于经济空前繁荣，人们对欣赏戏剧的愿望增强，在旅馆院子、斗兽场和书籍插图对剧场的描绘等因素的影响下，天鹅剧院等公共剧场相继建立。英国的剧场不像意大利的镜框式剧场，它不需要在舞台上绘制各色布景，凭借剧场建筑本身的结构便能进行各种演出。因而，莎士比亚剧本中多时空、多场景的事件得以在这种剧场中自由驰骋。演员的动作在剧场建筑结构中更加灵活多变，忽而利用前台，忽而利用后台，一会儿进入了台仓，一会儿又升到了楼台，使得全剧行动丰富多变，一气呵成。
　 文艺复兴时期的透视布景在18世纪时被比比耶纳布景家族继承和发展，他们将成角透视的原理运用于布景绘制，使得画面更为立体，同时，通过描绘大建筑的局部，又使得布景宏大而气势磅礴。然而，这种绘画布景不管它有多么逼真和豪华，毕竟只是在平面的画面上营造了一个三维的空间，相对于一个立体的舞台空间来说，它实际上还是二维平面的。舞台空间是实实在在的，有深度的，舞台上表演的演员也是活动的，三维的，当演员走近透视布景，画面上所绘制的逼真的幻觉效果顿时全然消失。
18世纪末，随着现实主义戏剧的诞生，以历史上现代导演梅宁根公爵乔治二世为代表的戏剧家倡导布景要反映生活的真实面貌，必须真实地考究布景和服装在现实生活中本来的面貌。由此，布景开始逐渐走向写实，但是，随着自然主义戏剧的出现，又将写实走向了极限。自然主义的布景要求对客观事物做记录性的描述，一味地追求真实而不做任何主观评述，导致将生活中的所有物品都搬上了舞台，取消了艺术与生活的界限。